El arte y la luz siempre han estado ligados. Hace unas semanas hablamos de la importancia que la iluminación natural tiene en la Arquitectura. Pero, ¿qué pasa con las demás disciplinas artísticas? A lo largo de la historia del Arte, la iluminación ha jugado un papel vital, ya sea como elemento modelador, o como elemento simbólico.

Fuego en el inicio.

Marc Azéma, (arqueólogo y cineasta francés), llevó a cabo un estudio que muestra cómo, ya en el arte rupestre, existió un uso consciente de la luz como herramienta puesta al servicio del arte. Algunas pinturas encontradas en la Cueva de Lascaux, en Francia muestran figuras de animales representadas aprovechando ciertos relieves de la piedra, con varias cabezas, múltiples extremidades… pero, si en lugar de observar esas pinturas bajo la luz eléctrica, plana y constante, las observamos bajo la luz palpitante del fuego y aprovechamos las sombras generadas por los relieves de la roca, entonces las figuras pasan a convertirse en imágenes animadas. De hecho, bajo estás figuras se han encontrados signos de un fuego fijo que demuestran la intencionalidad de este efecto.

En otros casos, se descubrió que al recorrer las grutas bajo la luz de una vela, aparecían sucesiones de figuras que parecían moverse, como si fueran fotogramas de una película. Azéma demuestra con sus investigaciones lo que podríamos considerar como una especie de “protocine”.

Representaciones de la luz solar.

Es a partir del Siglo XIV cuando empezamos a encontrar pinturas con representaciones de luz natural. En el siglo XV, Leonardo Da Vinci se convirtió en el maestro del tratamiento de la luz: analizando la transparencia y el comportamiento de la materia, pero es en la escuela flamenca cuándo encontramos a los máximos exponentes de la representación de la luz natural.

“Dama que escribe una carta y su sirvienta” (1670) Johannes Vermeer van Delft.